交响曲的声音

交响曲为什么多为四个乐章 交响曲像文学中多章节的中长篇小说一样，通常以多个乐章形式出现。大家熟知的J.S.巴赫没写过交响曲，而他儿子C.P.E.巴赫却比较早地开始使用四乐章结构，但当时的乐队编制极小。 现在我们熟悉的交响曲大多为四个乐章，但早期的交响曲却是三个乐章。交响曲演变自17世纪末意大利式歌剧序曲。那时的序曲是以“快—慢—快”三段形式呈现的，这就为后来交响曲形成“快板—慢板—快板”三个乐章的形成打下了基础。 乐章的出现不难理解。试想一本长篇小说，如果从头到尾没有章节，读者肯定是读得不耐烦的。交响曲也是这样，半个小时的作品不分乐章，没有速度变化，听众也很难将曲子坚持听到底。其实不仅交响曲，音乐中还有不少体裁也是四个乐章，如弦乐四重奏等，都拥有四个乐章。其实这是作曲家们遵循的约定俗成之定式。 海顿是公认的“交响曲之父”，他在18世纪，承继前人创作实践，规范了古典时期的交响曲曲式。海顿一生写了104部交响曲，在形式上对交响曲进行大量的实践与探索。他早期创作的交响曲（《**交响曲》至《第30交响曲》）断断续续地保持着前人的三个乐章结构，也尝试了四个乐章，甚至《第七交响曲》还写出了五个乐章；直到《第31交响曲》后才逐步确立了四个乐章的地位。可以说，海顿创作交响曲的历程，几乎就是交响曲从创立到探索再到成熟的系列过程，给交响曲作为一种曲式流芳后代，为后来的作曲家创作交响曲，奠定了基础，也指明了方向。勃拉姆斯曾赞誉：海顿之后，写交响曲已不再是件轻松的事了。 交响曲的乐章通常以不同的演奏速度与表情来显示其各自的特征。古典派和早期浪漫派交响曲的四个乐章结构通常一开始是快板，接着是个慢乐章，然后是小步舞曲或谐谑曲，*后是另一首快板或回旋曲。当然这个顺序，作曲家视内容表现的需要，也会进行一些微调，甚至颠覆性的调整。 通常情况下，**乐章速度快，采用奏鸣曲式。与写文章一样，**乐章是整部作品导引的核心。音乐走向活泼或欢快，充满戏剧性，由两个性格鲜明而又形成对比的主题进行着呈示（Exposition）、展开（Development）和再现（Recapitulation），有时还会附有一小段结尾（Coda），如哲学观念，示意矛盾的起因、发展、对立和暂时的统一。 就像文学作品的开头，在主题的呈示中，有时通过小段引言，有时直接开门见山；只不过文学是通过文字，而音乐是通过音符呈现。呈示部分是将音乐主题呈现，确立音乐形象，并通过调的变化桥段，与主副题的对比，将乐思持续。 展开部分进入到乐思的发展变化与升华阶段，将呈示部的主题作富于动力的发展，利用音乐创作手段与风格进行各种组合和发挥，形式多样，以期使音乐形象更加丰满，旋律、节奏与和声更加性格化。 再现部分即是呈示部分的再现，但绝不是之前的简单重复，其无论从强度和力度上都有所不同。 简单的结尾乐段有时能起到四两拨千斤的作用，散发出光彩与能量。 第二乐章速度徐缓，采用二段式、三段式或变奏曲等，曲调缓慢如歌，内容往往表现生活的体验和哲理性的沉思。通常主题优美婉转，富于深情；装饰也更加华丽，妩媚动人。是交响曲抒发感情的中心段落。 第三乐章速度中庸或稍快，为小步舞曲或谐谑曲（也有称诙谐曲的），音乐体现了矛盾冲突之后的闲暇、休整和娱乐。“交响曲之父”海顿在其庞大数量的交响曲中，几乎都使用了小步舞曲，尽管有的不在第三乐章上。但毕竟小步舞曲速度缓慢，多少呈现出宫廷式的媚俗与平庸，贝多芬在此基础上推出谐谑曲体裁。应该说“小步舞曲”和“谐谑曲”在形式上是相同的，无论是强弱对比还是情绪变化，谐谑曲要比小步舞曲来得更为活跃而奔放，更加活泼、轻松，而富有生活情趣。 第四乐章又称“终乐章”，起着与**乐章遥相呼应、相互平衡的作用。一般为快板或急板，内容与矛盾对立的结果有关，常表现乐观、肯定的态度和胜利凯歌般的节日欢庆场面。终乐章的形式丰富多彩，常见的有奏鸣曲式、变奏曲式、回旋曲式和赋格等。 以上四个乐章安排并不是完全一成不变的，乐章的安置顺序有时根据作曲家自己的意思来确定。海顿在这方面做了很多的尝试，有的作品将速度徐缓的慢板放在**乐章，如《第49交响曲“受难”》和《第88交响曲》；有的作品又将小步舞曲置于第二乐章，如《第44交响曲“悲伤”》；有的将急板放在第二乐章，如《第22交响曲“哲学家”》。直至后期，他才逐步将乐章的安置顺序按上述的顺序稳定化。 （一）交响曲如此多的“板” 作曲家除非要在自己的交响曲上强调些特别的内容，通常情况下我们很少看到乐章上有实质内容的标题。我们看到乐章上标注的基本都是这个“板”或者那个“板”的演奏速度(tempo)与表情，如快板、慢板、急板等等。这些标出的“板”是作曲家告诉或提示演奏者要用多快或多慢的速度以及表情来演奏，原文通常是意大利文。我们在交响曲节目单与碟片上躲不开的也是这些“板”。当然，这些“板”译成中文，还能有助于听众略知一二；如果全是外文，而且是意大利文，听众可是一头雾水了。那么这些“板”究竟对听众欣赏交响曲有什么帮助呢？回答是肯定的！因为音乐速度的快慢与表情会直接影响人们的情绪体验，也是决定音乐形象的关键。 我们听一段慢速的乐曲，总有抒情、沉思，甚至忧郁悲伤的感觉；而这样的乐曲，如果加快速度来演奏，我们的感觉会焕然一新：喜悦、欢快，甚至奔放。人是有机的共振体，人体内在的振动频率经常会受到周围各种声音的影响。每种声音都有它们各自不同的频率，当它们进入我们的身体时，就会和人体内在的振动频率发生联系。音乐速度不同，声波的振动频率也不一样，作用于我们身体时，谐和与否，会产生正反截然不同的情绪效果。这也是为什么我们在听同一部交响曲时，不同的指挥和不同的管弦乐团演奏的效果不一样，给人的感悟也不一样。当然，一部完整且具有感染力的交响曲是由多种音乐要素构成的，如旋律、音色、力度、和声、调式、曲式、配器等等，但速度与表情在其中的作用不可小觑。 其实，我们看到的乐章上的速度大多与表情息息相关。通常的四个乐章，快、慢、缓、急总关情。我们看到的“板”不仅是速度的体现，还有表情与情感的表达，如，“庄板”指的是沉重的、严肃的感觉；“急板”更多强调的是热烈且奔放的情绪。当然乐章有时不标速度，直接标上表情，演奏者和听众都可一目了然。 速度与表情似乎已成了音乐上的“潜规则”：表达热烈、欢快等等情感与情绪，速度通常是稍快的；抒发忧郁、沉痛、肃穆、沉思、柔情等，速度是稍慢的；彰显舒展、甜美、优雅、诙谐、赞颂等，是中速的；宣泄奔放、飞翔、活泼、辉煌和高兴，则是急速的。我们可以通过速度来了解情绪，感受速度对音乐的表现。 交响曲在演奏时存在着音乐的二度创作问题，指挥家对于作曲家创作的交响曲，从认识、理解与感悟的角度亦不尽相同；尽管交响曲的乐章上标明了速度与表情，指挥家对作品的演奏处理与表现意图也是不一样的。指挥家对每部交响曲的处理，在尊重原创或前人演奏经验的基础上，演绎过程中或多或少地代表了某一特定时期、特定环境、特定人群的审美需求和表现能力。尤其，本真演奏与现代演奏常常处于争议之中。不同指挥家采用不同的演奏速度，本意都是试图体现作曲家的精神和创作意图。同样的贝多芬《英雄交响曲》第二乐章葬礼进行曲，极柔的柔板，卡拉扬指挥用时16分，而切利比达奇却漫长至19分，而提倡“本真”的加德纳只用时12分；而这些速度的施用，无不调动着听众的情绪，又无不决定着交响曲的音乐形象，其结果是一样出色。如果我们在参照已标明的速度的基础上，认真对比各指挥家的演奏版本，我们获得的音乐形象将会更有灵性，更有魅力，更有深度，且更有艺术价值。